Annys Batista

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Annys Batista: que la música nos salve un poco

Annys desprende dulzura mientras canta, me llego a su perfil de Instagram y encuentro aquello que me gusta, una mujer que desprende arte entre cuerdas y melodías. Al conocernos la conexión es inmediata, otra señal de que mi intuición pocas veces falla. Los niños, el café y la música fueron bálsamos para la tarde.

Una pregunta que me encanta hacer a las personas que entrevisto es: ¿Cómo te defines? Siento que no están preparados para eso y ahí, entre pensar y reír, comienza todo.

A: Soy una mujer sencilla, positiva a pesar de todo, una persona que ama cantar, que cree que la música sana y madre de Mariana. Mi forma de ser siempre ha sido pausada, incluso los cuentos con mis amigas en las giras eran que yo iba lenta a todo, me quedaba dormida con el televisor puesto, no escuchaba las alarmas. Ahora tampoco las escucho, pero mi alarma es mi hija.

MK: ¿Cómo llegas a la música?

A: Estudié música, dirección coral en nivel elemental y bombardino a nivel medio. Desde siempre supe que quería cantar.

En casa hay una anécdota muy graciosa, dice mi mamá que un día llegué de pequeña y le dije: “mami, ¿para qué tengo que estudiar si yo voy a ser cantante?” y tengo una tía que siempre recuerda: “la niña siempre supo que quería cantar” Creo que vine a esta vida a cantar y por medio de la música a sanar almas.

Me gradué en el 2008 y empecé a trabajar como cantante en mi ciudad, Bayamo. Trabajé en un grupo de jazz, en un grupo popular bailable, en un cuarteto femenino. Luego vengo a la Habana y comienzo a trabajar como corista de Raúl Torres.

MK: Fuiste la ganadora del concurso Adolfo Guzmán. ¿Ese fue el primer premio que obtuviste? ¿Qué representó?

A: Pues no, antes de eso tengo reunidos en concurso cinco gran premio: uno en Berlín, un concurso que se nombra: “Lluvia de estrellas”, en Bayamo hay un concurso con carácter internacional y gané el gran premio dos años consecutivos. En el 2016 se hizo el Festival Internacional Boleros de Oro, en el evento había un concurso, apliqué y gané el gran premio. Y luego vino el Adolfo Guzmán.

El Adolfo Guzmán es un concurso con mucho prestigio. Fue muy bonita la experiencia, fue un reto, ir venciendo cada fase y bueno pasé.

MK: ¿Cómo sigue la vida de Annys después de ganar el Adolfo Guzmán?

A: Luego que lo gané quería enfocar mi carrera de una forma diferente pero vino la pandemia y todo se complicó un poco.

Pasé trabajo para la creación de mi disco, el no ser habanera también influye en ocasiones negativamente, y aunque muchas personas reconocían que tenía talento no había espacios para mí.

Luego, algunos amigos me hablan sobre las becas de la AHS, aplique y gané. Y fue como comencé a grabar mi disco con Bis Music.

MK: ¿Cómo llegas al Fondo de Arte Joven?

A: Por medio de unas amistades conozco a Lorenzo Suárez y me entero del Fondo de arte joven, apliqué con mi proyecto y gané.

Ser beneficiara del fondo representó mucho, porque prácticamente hice el lanzamiento de mi carrera en solitario gracias al fondo. El proyecto con el que apliqué era para potenciar mi carrera en redes sociales, porque la gente hoy en día quiere saber qué estás haciendo, y no soy la mejor llevando mis perfiles, así que lo encaminé por ahí. La idea principal es hacer un disco, hacer grabaciones en el estudio, algo íntimo, pero algo donde las personas puedan verme, y crear una campaña de comunicación.

Finalmente pudimos hacer un concierto en el teatro del Museo de Bellas Artes, y fue todo una experiencia. Sin dudas son oportunidades que te van abriendo puertas.

MK: ¿Compones tus canciones?

A: Comencé en pandemia. Me gusta la música de autor y es algo que respeto mucho pero es algo que aun debo potenciar. Porque además después de haber interpretado canciones de músicos reconocidos es algo que veo con mucha precaución, pero definitivamente tu música es tu música.

MK: ¿Qué opinas del escenario musical actual?

A: Creo que estamos sufriendo. Hay tantos artistas, grandes como digo yo, en sus casas; porque las empresas no quieren pagar y eso dificulta mucho también. Otra realidad es que se han ido muchos músicos y está entrando una nueva generación de músicos. Creo que a pesar de todo es un momento de mucho cambio.

 

MK: ¿Por qué la música?

A: Yo creo que todo el mundo viene con una misión a este mundo y yo vine a cantar. Para que la música nos salve un poco.

Por: María Karla Larrondo González

Patricia Rodda y su universo cultural

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Patricia Rodda y su universo cultural

Patricia Rodda me abre las puertas de su casa como si fuéramos amigas de hace muchos años. Las casas, la suya no es una excepción, son espacios de recuerdos y esencias; su sonrisa contagia a todo el que la conoce y su energía me atrapó.

MK: ¿Cómo se define Patricia?

P: Me defino como una persona libre, al menos así intento percibirme. Cuando me he sentido condicionada, en mí se desata una fiera. En mi arte y en mi vida personal necesito sentirme libre.

MK: ¿Qué soñaba Patricia de pequeña?

P: La vida me llevó al teatro. Mi mamá falleció cuando yo tenía cinco años, y la primera vez que toqué las tablas sentí que se abría otro universo para mí. Un universo que me salvaba. El teatro salva y a mí, me salvó.

La Patricia de niña soñaba que todo podía ser, soñaba que podía salvar a todos los niños, que traía luz.

MK: ¿Qué es el teatro para Patricia?

Es salvación. Es un juego, los actores mantenemos vivos a nuestro niño interior. Es terapéutico.

Cuando estoy en momentos de crisis, en momentos que necesito energía espiritual, gestionar emociones; no hay nada mejor que estar en la carne de un personaje porque tienes que entender otras maneras de hacer, de pensar y te empiezas a ver desde una distancia.

MK: ¿Qué es Teatro el Misterio y qué ha representado para tu carrera?

Yo estuve muchos años desconectada de las tablas, en el camino del inmigrante. Cuando regresé a Cuba, decido rehacer mis pedazos y me encuentro con Teatro el Misterio de Delia Coto, yo digo que eso era más una “secta intelectual” que un grupo de teatro, todas mujeres, todas brujas, todas esotéricas.

Llegar al Misterio y llegar al personaje Camila con la obra Japy beiby tu yu”, obra de Tahimí Dieguez, fue un reencuentro conmigo misma. Con este grupo volví a conectar con esa parte mía del arte que había sacrificado.

MK: ¿Qué es Sin filtro?

P: Sin filtro es el proyecto sociocultural que llevamos mi esposo Orlando Inclán y yo, con niños y adolescentes del barrio de San Isidro en La Habana Vieja. Se divide en dos perfiles fundamentales, desde el teatro y el urbanismo. Exploro y trabajo lo social, toda la parte emocional se las gestiono desde el teatro e Inclán desde el urbanismo.

Tratamos que estos muchachos conozcan la ciudad, muchos de ellos nunca habían salido de San Isidro. En algunos talleres una de las cosas que hacemos es llevarlos en una guagua a conocer otros municipios, a conocer una ciudad que ellos no saben que existe.

La experiencia que tuvimos en pandemia en la Galería Taller Gorría (GTG) como parte del proyecto fue muy necesario para ellos, y una de las que atesoro con más cariño, yo he trabajado en otras ocasiones con niños, pero creo que esa fue la vez que vi el cambio de manera más inmediata.

MK: ¿Cómo llegas a la escritura?

P: Yo escribo desde muy niña. Pertenecía a un grupo infantil y empezamos a hacer espectáculos en la Sociedad Canarias de Cuba, donde hacían concursos literarios infantiles; y esa fue la primera vez que presenté un cuento de ciencia ficción a un público y … gané; y yo muy contenta de que algo que había escrito tuviera resultados y reconocimiento de personas que no me conocían.

La poesía empezó en la época de adolescente. Yo leía mucho y bueno comencé a crear mi propio mundo, aunque todo aquello se perdió en algún momento, son recuerdos que quedan. Y luego estuve un tiempo muy desconectada de cualquier cosa que tuviera que ver con mis fibras más profundas.

Después cuando escribía lo escondía, lo escribía porque me di cuenta que la escritura es tan necesaria para mí como el teatro; al punto que dejo cualquier cosa que esté haciendo para escribir, incluso me levanto si estoy durmiendo para hacerlo; pero no se lo enseñaba a nadie.

Y una vez en pandemia, Inclán descubre mi libreta, y a mí los colores me subían- nos reímos- él lo trató con mucha delicadeza pero me ayudó a que yo viera mi poesía con otros ojos. Siempre le agradezco porque literalmente si él no me hubiese incitado yo no me hubiese lanzado. Y te voy a confesar a mí me da vergüenza, porque la poesía no hay manera de desdibujarla, es muy autobiográfica, y a mí siempre me da vergüenza.

MK: ¿Tienes algún proceso creativo predeterminado?

P: Yo creo que el proceso creativo de la escritura es mucho más noble que el proceso creativo teatral.

El proceso creativo teatral es muy sufrido. Porque encarnar, entender y apropiarse de una persona que no eres tú es una cosa seria. Cada personaje te marca. Uno se encuentra mucho en un proceso creativo. Es muy interesante lo que puede surgir.

El proceso creativo de la escritura viene mucho del inconsciente, aquí tú no estás provocando nada, simplemente nace. Cuando uno se sienta a escribir una tiene un bagaje, ya sea de historias de vidas, experiencias; y cuando te sientas frente a la página en blanco sabes que algo va a salir, puede gustar más o menos, pero siempre te va a sorprender.

MK: Cuéntanos sobre tus experiencias en los slam poetry.

P: En principio, cuando conocí el slam, no tenía ni idea que la poesía pudiera ser de esa manera dicha, que pudiera tener esa potencia oral. El slam tiene una fuerza mundial que es algo gigante y aquí en Cuba estaba en los inicios.

Luz de Cuba lo estaba gestando, porque ella ya había participado en algunos encuentros internacionales, representando a la Isla. A mí me encantaba su perfomance que era esa poesía dura, sin adorno, pero siempre con tumbadoras y eso a mí me encantó. Por las cosas de la vida, nos encontramos y me hace la invitación a participar en un slam. Me pongo a investigar y me di cuenta que era todo un universo. El slam es la poesía social, no cree en reglas que lo restrinja, tiene un tono fuerte.

Y la invitación fue al Slam Nacional xico, yo estaba impactada, porque ahí hay mucho nivel y bueno a un slam nacional va lo mejor de cada estado. Ellos toman clases de dicción, de actuación; porque la manera en que se dice, en que se proyecta, es muy importante.

Cuando yo llegué con mi poesía, incluso se los dije: “discúlpenme si mi poesía no llega con la fuerza o con el dolor que hay un sus estrofas, socialmente hablando, pero mis mayores disidencias son conmigo misma. Lo interesante es que tuve una aceptación muy bonita, una acogida muy cálida.

Tuve que incorporar herramientas del teatro porque mi poesía inicialmente no estaba pensada en el formato slam. Realicé una deconstrucción del texto que tenía y desde la consciencia encontré otras lecturas; y lo actué.

MK: Desnuda en Proscenio ha sido más que un libro, cómo lo concebiste y qué opinas de las formas de llegar como usuarios a la poesía.

P: Desnuda en Proscenio es un libro autobiográfico, y no solo en el decir sino en la estructura literaria. Yo soy de la opinión que las artes están interrelacionadas con otras manifestaciones, el arte no se puede encasillar ni aislar.

El libro está en desventaja y más en estos tiempos digitales y cada vez cuesta más “enganchar” a las jóvenes generaciones para que lean. Cuando hice este libro de poemas no tenía muchas pretensiones, se lo llevé a Claudia Acevedo, la editora de Aurelia Ediciones y le muestro el cuaderno. Y luego fue todo un proceso mágico con Eduardo Abela que realizó las ilustraciones especialmente para el libro, inspirado en los poemas. Desnuda en Proscenio es un libro promiscuo – nos reímos.

El libro comienza a coquetear con otras manifestaciones del arte, es un libro pensando como una obra de teatro, nació de esa necesidad en pandemia, que no podía haber escena y yo necesitaba por algún lado drenar pensamientos y sentimientos.

Entonces quise darle voz, empecé a llamar a muchas amigas, y creamos un grupo de mujeres espectaculares de la escena (Mirta Ibarra, Tahimí Alvariño, Daisy Granado, Jacqueline Arenal, Coralita Veloz entre muchas otras) y nos metimos un día en el teatro del Museo de Bellas Artes, con la ayuda del amigo Jorge Fernández, y grabamos cápsulas con los poemas. El libro ya no tenía un solo rostro, sobre todo tenía voz. Muchas y las mejores voces.

Cuando empezaron las presentaciones nos dimos cuenta que era otra cosa, ya que estaban acompañadas de exposición y atraía a mucho público de las artes visuales. También iban muchas personas por el elenco de actrices. Era una nicho que comenzó a entrar “sin querer” a la poesía. Y por ahí creo que hay un universo cultural ganado.

MK: ¿Qué ha significado Pseudopez?

P: Pseudopez es otro libro, con otro carácter, incluso desde el momento de la creación, lo que me provocó el proceso creativo fue muy diferente a Desnuda en Proscenio.

Es un libro que me ha sorprendido. Mantuve el propósito de entrelazarlo con las artes visuales, porque te atrapan; en esta ocasión me acompañó Zaida del Río, otro privilegio. Estoy convencida de que el acompañamiento de la poesía con estas ilustraciones son una manera contemporánea, y una manera otra, de llegar al público.

Entró con mucha fuerza, ha entrado a un terreno donde lo han acogido bien. En su inmersión ha tenido muchas reseñas, reseñas sobrecogedoras como la de Zaida Capote o inesperadas e increíbles como la de Marilyn Bobes, realmente estoy muy feliz.

MK: ¿Cómo se ubica el universo cultural de Patricia Rodda en el contexto cubano, cuanto le debes y cuanto pudieras aportarle?

P: Soy un producto cubano amén de otras influencias heredadas del mundo. Soy de los que eligieron quedarse porque creo que tengo que aportar a, este, mi país y sobre todo porque de lejos moriría de tristeza y resentimiento. Muchos lo han logrado y han tenido éxito, yo no podría.

Aquí me he encontrado, he tenido la oportunidad de crear, de compartir mi arte y mi punto de vista. Me siento parte de una herencia cultural y no me canso de construir los sueños dentro de un realidad que sabemos no siempre es amable.

Seguiré trabajando con los adolescentes porque siento que esa es una etapa definitiva en la vida y en ese terreno pantanoso quiero sembrar algunas flores.

Continuaré con el teatro porque no encuentro otra manera de entender este circo al que llamamos “Tierra” y si los santos me lo permiten, seguiré escribiendo para dejar testimonio de mi paso por esta Isla que me vio nacer y en donde moriré. Es aquí donde quiero que me recuerden, ya el mundo carga con demasiados nombres.

Por: María Karla Larrondo González.

“Sálvame” de Alexander Abreu y Camilo.

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“Sálvame” de Alexander Abreu y Camilo.

Colombia y Cuba se unen para traernos en manos de Alexander Abreu y Camilo, una nueva versión de la canción de R.B.D de “Sálvame”.

Hace unos días las redes comenzaron a especular lo que ahora es un hecho: colaboración de Alexander Abreu y Habana de Primera con Camilo.

Por medio de video llamadas se concretó la alianza que está mostrando la mezcla de sonidos y la esencia del Caribe. Como parte del nuevo álbum de Camilo Echeverri, está canción está siendo compartida por muchas personas. Los grupos etarios varían, muchos se acercan a la nueva propuesta.

La sensibilidad que conocemos de Camilo se ha fusionado con la fuerza de Alexander para brindarnos, como muestra el artista en sus redes: “la versión de la canción que no sabíamos que necesitábamos”

En los arreglos y los coros también se unieron Yusef Díaz y Luis Miguel Sánchez Nelson, arreglista y compositor.

Para algunos será recordar etapa de niños en otras voces, para otros será el primer acercamiento a la canción. Aunque la realidad es que ha sido un acierto revitalizar esta canción con pura salsa y sentimiento latino.

Criogenia de Giselle Lucía

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Criogenia de Giselle Lucía

A Giselle Lucía la vi por primera vez en el periódico. Una joven que con solo 24 años había alcanzado varios premios literarios. La expresión de sus ojos me atrapó más que el artículo. La admiré desde ese momento.

Personalmente tenía inquietudes por ser escritora y fue ese mi primer acercamiento a los cómos y las maneras de hacer en Cuba. Aquel artículo no quedó en el olvido como tantos periódicos, lo conservo como parte de mi camino.

Años más tarde me llega un correo con una solicitud para cubrir un festival, y la persona que firmaba era Giselle Lucía, fue un orgullo para mí, nunca se lo dije y ahora tengo la oportunidad.

Finalmente aquella muchacha sencilla, un poco callada se me pone en frente, me permite una oportunidad para trabajar, me regala su tiempo. Conocer su poesía es lo menos que puedo hacer.

Pero Giselle no solo es escritora, en ocasiones no le gusta que la etiqueten, es como cerrar con llaves una puerta, y para crear debemos abrirnos, explorar, volar, quizá por eso, ella es una artista multidisciplinar: diseñadora, escritora, artista visual; a mí me gustaría decir Giselle y ahí cabe todo.

Sus redes sociales son el vehículo para mostrar su trabajo, ella trabaja para los niños, con los niños, se inunda de la tierra para crear, teje historias; vive para el arte.

El primer libro que llega a mis manos fue “¿Qué nombre tiene tu casa?” una novela infantil que me acercó a mi infancia y me hizo apreciar los lugares de una forma diferente.

Con todo ello me acerco a su obra Criogenia “Premio David de Poesía 2019”. La poesía de este libro es orgánica, Criogenia nos acerca al proceso de congelación de los objetos, un objeto que puede ser una casa, los recuerdos o una madre.

Criogenia, Ediciones UNIÓN, 2021, ilustración de cubierta, también de Giselle Lucía, nos llega con una dedicatoria a su familia. Está dividido en tres etapas, “Sobre el cadáver”; “Anatomía del frío” y “Acto de reconocimiento”.

En palabras de la autora: “la escritura requiere del hábito del silencio y la observación”, y curiosamente me acerco a esta propuesta y observo el silencio. Un poemario que cuenta con 55 poemas en verso libre y nos presenta una línea personal y poética ante el dolor, la soledad, ante personajes que permanecen vivos o muertos, pero permanecen.

El cuerpo se entremezcla con el arma, el objeto y la acción latiendo como una amalgama para conformar una poesía directa y familiar. Es una poesía que no te deja inerte, mientras leo veo el mundo desde una forma diferente, encuentro razones y me observo. Uno de mis títulos favoritos es DESCONOCER(SE), en esa acción de observarnos desde fuera como nuestro propio objeto de ensayo.

Mi poema favorito es PIELES que me acerca a quién soy y dibuja mi silueta:

Aquel que me ha visto feliz

probablemente se ha enamorado de mi sonrisa,

sin saber que como la piedra dura

fui sembrada en la tierra

aunque mis raíces crecieron irreprimibles hacia el cielo

y, negándome a ser roca, me convirtiera en árbol.

 

Aquel que ha mirado profundamente a mis ojos

podría dudar de lo que existe

y entender que esto nunca fue una coincidencia.

Sabe que llevo mis marcas dentro:

criaturas que aprendieron a domesticar el tiempo

y las imperfecciones terribles de la vida.

Sabe que puedo ser frágil sin llegar a romperme,

que mi cuerpo soporta cualquier ballesta,

que teniendo a mi mente jamás puedo estar sola

y que cuando mi pecho se llena de agujeros

lo único que hago es sonreír.

El cuerpo, la ciudad, las infancias, las casas, el país; Giselle es una pequeña isla que encuentra refugio en su arte, que escribe para hacerse más fuerte y no morir.

Por: María Karla Larrondo González

Ana, la gente está mirando la sangre.

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Ana, la gente está mirando la sangre.

Agniezka no busca aplausos. Al levantarme tras concluir la obra, no tenía ganas de aplaudir, la ovación de la última puesta en escena, fue de dolor.

Entro a la sala y un nylon de brillo está decorando el proscenio, en el fondo se refleja el cuerpo de una mujer en el agua, Lulu de espaldas, acostada, parece que nos da la bienvenida, a la derecha, un piano y cuatro muchachas componen la melodía. Pequeños pasos buscan un lugar, la sala se llena, al parecer el #yositeinvite, dio resultados.

Al comenzar no me queda claro por donde va la historia, Ana Mendieta es el personaje que desencadena la trama, mas al fondo, en mi subconsciente, el desarraigo es el verdadero protagonista.

Las raíces son necesarias para sentirnos en paz, para conocer de dónde venimos, la historia, la de a de veras, la que de una forma u otra va conformando nuestro árbol genealógico y emocional, es importante para desarrollarnos.

Dicen que los ojos son el reflejo del alma, la mirada pocas veces miente, las imágenes de Ana Mendieta reflejan tristeza en sus ojos, la interpretación de Lulu Pinera es fiel a la artista que fue Ana. ‘’Mañana bien temprano te subo el corazón a your house, your flat, your apartament’’, Lulu tiene los brazos atrás del cuerpo, sus ojos observan el piso o sus zapatos, mientras Alejandra de Jesús, interpretando a Moffitt, le dice a su niña, Ana Mendieta que le subirá el próximo día un corazón a su departamento.

De forma paralela aparecen Hansel y Grethel, interpretado por Karen Machado y Sandra Anabel Espinosa Ruiz, con su cuento podrido, con la inocencia de niños que desean golosinas, pero a veces el camino para encontrar la gran casa de chocolate no deja sensaciones dulces. Niños que atraviesan realidades que no les corresponden, niños que deben dejar su inocencia, niños Peter Pan que sudan recuerdos en un país desconocido.

El Centro Cultural Bertolt Brecht acogió durante dos fines de semanas, la puesta en escena ‘’Ana, la gente está mirando la sangre’’ de la Franja Teatral, bajo la dirección de Agniezka Hernández. El grupo multidisciplinar aglutina en su escenario el baile, el teatro documental, la música en vivo y la actuación de su equipo. En esta ocasión el elenco es interpretado por. Lulu Pinera/ Ana Mendieta, Roberto Romero y Pedro Rojas/Carl Andre, Lissette de Leon/ Azazelo, Alejandra de Jesus y Cesar Dominguez/ Moffitt, Sandra Anabel Espinosa Ruiz/Grethel, Karen Machado/Hansel, Ana Medina/Raquel, Lia de la Vega, Melanie González Asencio, Daina Leon/Niñas migrantes, Edgar Alejandro Valle Remis y Chriss Forte/Celia, Angello Felico/Rodney. Música en vivo por LlinenaSussel, Laura Alonso Real, Daniela Valdes, Ana Carla de la Scull, Catherine Coralia Rodríguez.

Se mezcla una línea del tiempo invisible sobre la trama, mas los cristales del reloj de arena también llegan a mis imágenes personales para desencadenar la travesía que realizan muchos latinos y cubanos para el paso hacia los Estados Unidos.

A todos de una forma u otra se nos hace familiar el hecho de empacar la vida en una maleta en busca de sueños. Muchos hogares se han detenido para sobreponerse a los nuevos entornos familiares que forman parte de nuestra realidad.

Esta obra me demuestra que en una mochila no caben todos los recuerdos, que en un viaje, a veces hay más de muerte que de vida, que el arte busca siempre su forma de manifestarse, que en Cuba se hace teatro y los espectadores se conduelen con el dolor del escenario.

Escribo mientras llegan imágenes de varias partidas, mientras observo en la naturaleza el amor de Ana Mendieta, mientras mi cuerpo recuerda las sensaciones de esa noche, mientras admiro la obra de Agniezkay aplaudo inconscientemente después de “Zarabanda, este gallo es para ustedes”.

Por. María Karla Larrondo González

Zo Brinviyer

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Zo Brinviyer: “Lo que sé es que no soy una”

La poesía de Zo ha llegado a mí como algo diferente. Descubro con sus rimas que hay formas orgánicas para escribir, que el cuerpo también es poesía, y que a pesar de todo La Habana será siempre fuente de inspiración.

MK: ¿Cómo se definiría Zo?

Z: Lo que sé es que no soy una. Soy muchas. “Soy el barro y la palabra. Dulce, salvaje, puta, niña, madre y huérfana. Soy la que una y otra vez baja la guardia. Porque no hay guardia que valga. Soy la que ama”, digo en el poema “y todas soy”

Me cuesta definirme de otra forma. Vengo de la dramaturgia, la danza, la docencia, pero ando volcada en el jazz, imagínate tu- me complementa, entrando en calor. Me defino a través de una amalgama de acciones, territorios y pasiones.

MK: ¿Cómo llegas a Cuba?

Z: Llego a Cuba a los 16 años y vivo el dolor. Vuelvo ahora y sano la herida de entonces. Es una isla que me atraviesa la vida, me arrasa y me abraza. Todo a la vez. Como un milagro.

Me quedo pensando cuantas veces mi isla ha sido un lindo milagro para otros y me reconforta. A veces hay lugares que sanan aunque a primera vista se escondan.

MK: ¿Qué encuentras en Cuba?

Z: Creación. Crecimiento. Luz. Reflejo. Cicatriz. Emoción. Locura. Certeza. Fiereza. Aprendizaje. Esperanza. Transformación.

MK: ¿Qué representa la poesía para ti?

Z: Es la mejor vía para reflejar, nombrar y amplificar la vida, para sentir más y para comprender. La poesía es inmensa, infinita, a la hora de expresar lo que ocurre en el cuerpo, el alma y los mundos diversos. La poesía es revelación. Y en los últimos tiempos la quiero en voz alta, la quiero para volar.

MK: Te conocí por vía de un taller de creación escénica que impartiste, ¿que representa el teatro para ti?

Z: ¡Ah cuanto talento se reunió y compartió en ese taller, que bella experiencia! Para mí el teatro es el lugar de las posibilidades y no admite mentiras. Es el lugar donde la verdad se manifiesta plenamente. Es el lugar para el encuentro, para conectar con lo invisible, para decir lo que no nos atrevemos a decir en el día a día, para ser vulnerable, para arder.

MK: ¿Qué es el cuerpo para Zo?

Z: Lo que tengo para llegar adonde no llegan las palabras. Lo que tengo para atravesar el mundo o que el mundo me atraviese, para vivirme y vivir a los demás, para amar y rabiar, dar y recibir. El cuerpo es donde habitan las certezas. Ante la duda, vuelvo al cuerpo. Siempre.

MK: ¿Qué opinas de Fábrica de Arte Cubano?

Z: Fabrica es una plataforma crucial y extraordinaria en Cuba: resistente, siempre cambiante y apoyando todo tipo de iniciativas artísticas.

MK: ¿Qué experiencia te llevas del evento del día 4 de abril en Fábrica?

Z: El recital en Fábrica fue una fiesta para el alma. Y una confirmación de lo que intuía a la hora de enfrentar poesía y jazz. Siento gratitud absoluta hacia los músicos que se embarcaron y echaron a volar mis palabras. Sobre todo para el trompetista Lachy Torriente, quien fue quien compuso e impulso las melodías. Fue un viaje realmente emocionante compartir estos poemas en este país. ¡La acogida fue tan hermosa! ¡Un sueño hecho realidad!

Por: María Karla Larrondo González

artemorfosis

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Deporte Nacional y fotografía en Artemorfosis.

Artemorfosis es una galería de arte que fue creada en 2015, tiene su sede en Zurich, Suiza. Se fundó como espacio de galería física con el objetivo de dar a conocer y promocionar las obras de diversos artistas, entre los que figuran en el catálogo algunos como: Flora Fong; Eduardo Roca (Choco); Pedro Pablo Oliva; Carlos Quintana; Duvier Delgado; Mabel Poblet.

Desde octubre del 2019 se dirigen a la web y comienzan con Artemorfosis Cuban Art Plarform, plataforma desde donde realizan la promoción, publicación y ventas de obras de arte.

En 2020, tras la pandemia del Covid-19, se lanzó la primera convocatoria de Prisma, en la web y redes, el cual fue muy aceptado con el nombre: “Los colores tras la crisis”. Dicho certamen se ha mantenido con el objetivo de buscar obras nuevas y potenciar las habilidades de promoción en el artista, a partir de los canales digitales de Artemorfosis.

La presente muestra, inaugurada el viernes 29 de marzo del 2024, como resultado de Lumen, el certamen de Prisma 7, estará en exposición hasta el 3 de mayo de este año.

En esta ocasión, la convocatoria estuvo encaminada a la fotografía. “Fotografía intervenida (modificada, recreada, transformada) con cualquier procedimiento digital. El tema, el soporte y las implicaciones serían libres… la libertad esencial del arte que va más allá de sus medios para establecerse en una verdad”

La obra ganadora fue “Deporte nacional” de Dave Perurena, quien demostró su creatividad y expansión del arte a través de la fotografía. El jurado tuvo en cuenta los softwares que se utilizaron para la intervención de las fotografías, así como los elementos añadidos y la visualidad final.

Otros artistas finalistas fueron: Frank Baltonado, Leo de la O y Lídise Domínguez, Anyel Díaz, Nadia Díaz, Natasha Forcade, Reinier Garcés, Gabriela López, Kevin Oramas, Claudia Padrón, May Reguera y Lissette Solórzano.Las convocatorias de Prisma se realizan dos veces en el año con diferentes nombres y finalidades. Para más información pueden llegarse a sus plataformas digitales.

Tour Liz Alfonso

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Tour Liz Alfonso

El ballet Liz Alfonso, es indiscutiblemente uno de los escenarios más completos donde se puede apreciar el baile de Cuba. La compañía creada en 1991, por la Maestra Lizt Alfonso es una de las compañías/escuela más populares de Cuba. 

Su impresionante aval artístico la ha llevado a presentarse en el City Center y el New Victory Theater (New York), el Shanghai Oriental Art Center; el Oude Luxor Theater (Rotterdam, Holanda), el Thalia Theater (Hamburgo, Alemania) y el Teatro de la Ópera del Cairo. Tambien el Place de Arts de Montreal, el Royal Alexandra Theatre en Toronto y el Gran Teatro de Quebec (Canadá); el Auditorio Nacional de la Ciudad de México entre otros importantes escenarios del mundo.

Entre los últimos espectáculos de la compañía cuenta Habana Fénix, que el año 2023 dedicó a la Habana una recuperación de formas danzarias, una mezcla entre guaguancó, danza contemporánea y el tan esperado baile español que forma parte de la esencia de Liz Alfonso Dance Cuba.

El Teatro Nacional de Cuba, en marzo de 2024, fue sede de las Galas primaveras, que unió en un espectáculo a los talleres vocacionales, Malecón Art 255, ballet infantil y juvenil y la carrera profesional, para brindar una función para toda la familia.

El pulso rítmico de la compañía no se detiene, y como parte de ello se preparan para el espectáculo Cuba Vibra – España Tour 2024, en los meses de mayo y junio. El estilo fusión, música cubana, los bailes típicos de la compañía y el sabor cubano podrán ser apreciados en Madrid, Barcelona, Sevilla y Zaragoza.

Se emprende con Jazz en La Habana

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Se emprende con Jazz en La Habana

La Fábrica de Arte Cubano, Fac, como todos conocen, tuvo entre sus actividades de finales de febrero del 2024, los días 28 y 29, la sede del primer encuentro de Jazz Emprende. Esta primera edición llega con el objetivo de conversar y actualizar sobre la industria musical y la industria empresarial actual.

El propósito de llevar y contextualizar el escenario del emprendimiento y su vínculo con la música tuvo lugar entre talleres, conferencias, masterclass; con temas como “El lado empresarial del Jazz”; en 48 horas de palabras y música.

Entre los artistas invitados estuvieron: Robert Glasper: pianista, productor musical, arreglista y compositor. Roberto Fonseca: reconocido pianista cubano. Su obra se distingue por la fusión entre música afrocubana, jazz, música clásica y muisca cubana tradicional. Aldo López Gavilán: Sobresale tanto en el mundo clásico como en el jazz, como recitalista y concertista solista, colaborador de música de cámara e intérprete de sus propias composiciones. Emme Alfonso: cantante y compositora cubana. Ruly Herrera & Real Project: una de las bandas de la vanguardia del jazz contemporaneo en Cuba. Fusiona diferentes ritmos cubanos, versionan temas antológicos con timbres asociados al estilo de la banda, transita por los diferentes géneros: jazz, world music, pop, R&B, el funk, el country y jazz rock. Yasek Manzano: virtuoso trompetista cubano. Jahi Lake: ha sido Dj de gira de varios artistcas: Talib Kweli, Mos Def, M´eshell Ndegeocello, Christian McBride y Robert Glasper.

Esta serie de conferencias sirvió para enfocar el escenario musical y empresarial actual, específicamente en el área del Jazz. Entre las actividades estuvo Jazz emprende Estudio en la sala Humberto Solás, con el periodista Rafa G. Escalona, quien tuvo una serie de conferencias con algunos de los invitados, entre ellos Ruly Herrera, líder del grupo Real Project; Sandra Lopes, productora general de Fábrica de Arte Cubano; Marta Deus, directora de la revista Negolution, y Lilian Triana, en representación de la empresa de producción de eventos Four Wives; donde se pudo dialogar y conocer aún más sobre la experiencia y la proyección de los mismos.

Se abordaron temas guiados a las cadenas productivas, así como los puntos fuertes y débiles que pueden surgir en cada modalidad de emprendimiento. Hubo de igual manera intercambio con estudiantes de educación artística para quienes este tipo de eventos puede representar una evolución en sus carreras.

Como parte de las conferencias estuvo la sesión de Ellas Hablan, que como ya es conocido permite dialogar con mujeres sobre emprendimientos, networking; esta vez en voz de Idania del Río, una de las fundadoras de la marca Clandestina.

Las noches de concierto permitieron el disfrute, en el concierto de apertura de Ruly Herrera y Real Project que contó con invitados como Yaroldy Abreu, Emir Santa Cruz y Lázaro Peña. Y entre otros de los artistas estuvieron Yasek Manzano, Eme Alfonso, el pianista Aldo López Gavilán, Roberto Fonseca, DJ Jahi Lake y el esperado Robert Glasper.

Dayme Arocena

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Daymé Arocena: Este álbum ha sido como un tsunami.

El 23 de febrero del 2024, quizá, una fecha común para muchos, cobraría un significado diferente para otros. Daymé Arocena, cantante de jazz afrocubana, lanzaría su último disco Alkemi, propuesta que marca un renacer en el aspecto profesional y personal de la artista.

La música, se puede confesar, representa un lenguaje interactivo, a veces llega como una semilla y transforma mitos, tradiciones, creencias. La carrera musical de Daymé, ha estado marcada por discos como Sonocardiogram (2019), Nueva Era (2015), One Takes (2016) y Cubafonía (2017).

La nueva propuesta, Alkemi, cuyo significado y origen yoruba significa alquimia; es el nuevo disco de Daymé Arocena. Cuenta con 10 canciones, “este sueño en forma de álbum ha sido como un tsunami, que lo ha transformado todo para lograr la transmutación en mí”, refleja Daymé, en su cuenta de instagram.

Mirar hacia dentro, encontrar respuestas y reproducirlas en canciones ha sido el concepto de Alkemi. Confiesa la autora que ha sido un viaje que le ha permitido sanar.

El color amarillo es un sello en la imagen de Daymé, representa la fuerza y el empoderamiento, que ella misma, trata de defender en el disco. Romper una vez más con las estructuras preconcebidas, cambiar la estética y observar a la mujer.

La muestra “Por ti”, comienza con unas claves, la escenografía del video nos ofrece una habitación en blanco y negro, el ritmo se forma como una coreografía perfecta, uniendo sonidos, pasos y sentimientos. Cambiar las maneras de ver la vida, el canto de Daymé que penetra como bálsamo en los cuerpos, las ganas de escucharla en vivo.

Su sonrisa y la mezcla de estilos, la fusión de lo caribeño con el Jazz, marcan las líneas sonoras de la artista. Alkemi se escucha en las plataformas digitales aunque algunos pueden disfrutarlo gracias a la gira por Estados Unidos, que tuvo su primer sold out en Nueva York; pero continúa por Texas, Massachussets y Puerto Rico.